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Auf den Hund kommen nicht nur Tierfreunde. Das wissen wir spätestens dann, wenn wir unseren Kontoauszug betrachten. Aber in diesem Fall, in Wes Andersons neuem Werk ISLE OF DOGS - ATARIS REISE, geht es weniger um eine finanzielle Notlage, sondern um eine Elendssituation der Hunde in Japan. Somit kommen im Film die Hunde auf den Hund, wenn man so will. Seit Jahrtausenden ist der Vierbeiner unser treuer Begleiter. Das macht sich nicht nur sprachlich bemerkbar - wenn wir beispielsweise von hundsgemein, hundemüde, vom Hundewetter oder Hundeleben reden - sondern eben auch filmisch. Erstaunlicherweise kommt der Hund als Nutztier in der Sprache oft schlechter weg, wie man an den angeführten Beispielen erkennen kann, als im Film. Und wie ist es auf der „HUNDEINSEL“?

Erzählt wird in Andersons Animationsfilm die Geschichte von Atari Kobayashi, dem 12-jährigen Pflegesohn des korrupten Bürgermeisters Kobayashi. Wobei die Hunde die eigentlichen Protagonisten sind, deren Schicksal in mehreren Kapiteln unterteilt ist: Es beginnt mit einem Prolog, in dem die Geschichte der Beziehung zwischen Menschen und Hunden im Japan der vorangehenden Dynastien geschildert wird: Die Hunde werden vom kaiserlichen Hof vertrieben, da der neue Herrscher Hunde verabscheut. Und Kobayashi ist, wie sich später rausstellt, der Nachfahre dieser Dynastie von Katzenliebhabern. In einer dystopischen Zukunft, in der futuristischen Großstadt Megasaki City, werden die Hunde, die nunmehr ein armseliges Leben führen, von einer mysteriösen Krankheit heimgesucht, die hochansteckend zu sein scheint - eine Art „Hundegrippe“. Dieser Epidemie will die Regierung Herr werden, indem sie die vierbeinigen Keimträger auf eine Insel verbannen, die eine Mülldeponie ist. Wir sehen, wie erst Spot, Ataris Wachhund, abtransportiert wird. In der Ödnis der von verfaulten Lebensmitteln bedeckten Insel folgen wir Chief, Rex, Boss, Duke und King auf ihren Streifzügen. Dann, im ersten Kapitel mit dem Titel „Der kleine Pilot“ sehen wir, wie Atari nach einer Bruchlandung auf diese fünf Hunde trifft, worauf sie sich gemeinsam im zweiten Kaptiel auf die „Suche nach Spot“ machen. 

In „Das Rendezvous“ erfahren wir mehr über Spot, und in „Ataris Laterne“ wird dann der Kampf um die Freiheit und Heilung der Hunde gezeigt. Denn gegen diese Seuche haben Wissenschaftler ein Mittel entwickelt, das Erfolg verspricht. Aber der fiese und miese Bürgermeister und seine Helfer und Unterstützer wollen davon nichts wissen. Eine amerikanische Austauschschülerin ist es, die dann das Ruder in die Hand nimmt und sich solidarisch gegen diese unmenschliche und -tierische Behandlung auflehnt. Sie organisiert einen Widerstand, der sich gewaschen hat. Gelingt es ihr, den Bürgermeister aufzuhalten und schafft es Atari, Spot zu finden und ihn und seine bellenden Freunde zu retten? Das erfahrt ihr natürlich im Kino!

Wes Anderson polarisiert mit diesem Film stärker als sonst. Das fällt einem bei diesem, einer seiner beeindruckendsten Werke auf, wenn man die Kommentare nach dem Film liest und hört, wenn man die Rezeption des Films bei Festivalbesuchern und beim Fachpublikum wahrnimmt. Den einen missfällt der Umstand, dass gerade eine amerikanische Austauschschülerin als Heldin und Retterin gezeigt wird; dass sie Tier und Mensch, der ohne die kläffenden Freunde verloren wäre, aus der Misere holt. Den anderen gefällt es nicht, dass der Film die Hundefabel nutze, um das Prinzip des Herrschers und Beherrscht-Werdens darzustellen. Aber ist das nicht ein wenig weit hergeholt? Dass Anderson die Beziehung zwischen Mensch und Tier, in diesem Fall der Hund, mit den transnationalen Beziehungen gleichsetze, ist schon arg in das Werk hineinprojiziert. Tiere werden nun mal seit jeher domestiziert, weil man sie braucht: Hunde waren einst keine Schoßtiere, die man verhätschelte, sie waren und sind noch heute dazu da, das Haus zu bewachen, zu hüten, Wild aufzustöbern, Fremde zu verjagen, und mancherorts wurde und wird er noch als Zugtier genutzt - denken wir an die Huskies. Daher finde ich die Kritiken an den Film und diese politische Lesart etwas haarsträubend. Natürlich ist der Film in gewisser Weise politisch, weil er Gesellschaftskritik betreibt. Aber gehen wir zunächst mal von der Mensch-Tier-Beziehung aus. Was ich vorhin beschrieben habe, ist die Aufgabe der Hunde. Was bietet ihm aber der Mensch? Auch wir beschützen sie vor Gefahren, bieten ihnen ein möglichst artgerechtes Leben, Futter, Wärme, eine Familie, ein Zuhause. Atari, das sind wir. Sein Hund „Spot“ ist für ihn nicht nur ein Leibwächter und er ist auch mit keinem Roboter der Welt zu vergleichen, oder gar durch diesen zu ersetzen. Spot ist sein bester Freund. Jemand, auf den er sich hundertprozentig verlassen kann. Daher ist es verständlich, dass er mit Tränen in den Augen und Wut im Bauch dabei zusehen muss, wie sein bester Freund deportiert wird. 

Auch hier ziehen die Kritiker Vergleiche heran, die nicht zutreffend sind, und das Werk fehldeuten. Dabei ist die Botschaft eigentlich sehr klar und unmissverständlich: Behandle die Natur mit Respekt, produzier nicht so viel Müll, behandle die Lebewesen, deinen treuen Freund den Hund beispielsweise, nicht wie ein Eigentum; wie etwas, das in Päckchen verschnürt entsorgt werden kann, wenn man es nicht mehr braucht. Viel mehr kann man und sollte man dazu wirklich nicht sagen, oder hineindeuten.

Übrigens: die Tiere im Film mit Giftgas vernichten zu lassen, ist starker Tobak für jeden Menschen, der sich für Tierschutz und -rechte einsetzt. Aber es gleichzusetzen mit einer „Holocaust“-Anleihe, das ist noch weitaus stärkerer Tobak! Außerdem muss man nicht immer alles auf Europa beziehen (leider gibt es viele Menschen in Deutschland, die meinen, alles würde sich um sie und um ihre Geschichte drehen): Bis kurz vor Ende des Zweiten Weltkriegs produzierte Japan auf Okunoshima tausende Tonnen Giftgas. Das Projekt war so geheim, dass das Eiland von den Landkarten getilgt wurde. Heute verfallen die alten Anlagen, und die ehemaligen Versuchskaninchen haben die Insel zurückerobert. Ein Happy-End sozusagen, etwas, was ja in Kritikerkreisen oft verpönt ist. Vielleicht hat Anderson darauf Bezug nehmen wollen? 

ISLE OF DOGS - ATARIS REISE ist ein ironischer Verweis auf unsere unkontrollierbare, sich verselbstständigende Automatisierung, Sterilisierung und zugleich auf die Vermüllung der Erde. Wir Menschen entscheiden mehr denn je über lebenswertes und nicht lebenswertes Leben; wir konstruieren und demollieren, wir erzeugen Viren, die sich dann unkontrolliert verbreiten. All unsere - und wenn ich „wir“ sage, dann meine ich es auch so, weil tatenloses Zusehen gleichzusetzen ist mit Mittäterschaft -  Bemühungen uns die Welt in all ihren Facetten und kleinsten Details habhaft zu machen, sie uns untertäniger zu machen, als sie es bereits war, führt uns in die Sackgasse. Dass die Konsequenzen im Film nicht so drastisch dargestellt werden, ist dem Jugendschutz anzurechnen. Schließlich soll ATARIS REISE auch die kleinen Kinobesucher anlocken und erfreuen. 

Bertrand steht an der Badewanne seines Kunden oder Bekannten. Ein älterer Mann, Schriftsteller, wie wir später erfahren werden, der sich in seinem fortgeschrittenen Alter noch etwas menschliche Nähe wünscht. Doch dazu kommt es nicht. Der sterbenskranke Mann verlangt nach seiner Medizin, die er nicht mehr rechtzeitig einnehmen kann. Er stirbt in der Wanne und Bertrand verlässt samt Manuskript des Verstorbenen die Wohnung. Er beseitigt die Beweise und macht sich auf den Weg zu seiner Verlobten, Caroline. Der junge Mann, der zum zufälligen Zeugen des Todes geworden ist, lässt das Stück unter seinem eigenen Namen aufführen und berauscht sich am Erfolg. Doch bald wartet die Welt auf das nächste Werk des vermeintlichen literarischen Wunderkindes. 

Caroline schlägt ihm vor, sein neues Stück im abgeschieden gelegenen Ferienhaus ihrer Eltern zu verfassen. Dort könne er in Ruhe arbeiten. Den Vorschlag nimmt Bertrand gerne an, vermutlich um erstmal aus dem Blickfeld zu kommen, denn die Erwartungshaltung seiner Mitmenschen macht ihn zunehmend nervös. 

Bis dahin war ich noch Passagierin dieser Reise, die ein gelungenes Remake der Romanverfilmung von Joseph Losey, basierend auf der Literaturvorlage des britischen Autors James Hadley Chase sein könnte. Es könnte ein gutgemachter Thriller werden. Das Potential hat er, dachte ich. Zumindest wird es wohl ein kurzweiliger Krimi. Aber als Bertrand ins Haus seiner Verlobten ankommt, und dort im Chaos eine fremde Frau vorfindet, die sich offensichtlich mit ihrem männlichen Begleiter unerlaubt im Haus aufhält, und die eine Edelprostituierte zu sein scheint, spätestens in dem Moment, in dem Isabelle Huppert als diese mysteriöse Frau in Erscheinung tritt, bin ich ausgestiegen. Nicht schon wieder! Es ist doch immer dasselbe mit der Huppert! Man kann schon fast drauf wetten, dass sie in der nächsten Ausgabe des Festivals als „femme fatal“ irgendwo in einem französischen Film auftaucht. Irgendwie passt auch das zu dem „Püppchen“-Syndrom, das sich in der 68. Edition der Berliner Festspiele abzeichnet. Die Titel, die ich vorhin erwähnt habe unterscheiden sich jedoch stark von der hier behandelten Thematik. EVA ist eine Puppe, die Lust an dem Verkleidungsspiel verspürt und sich mittels Kostümierung eine Art Machtposition erarbeitet. 

Man mag Eva als „starke Frau“ wahrnehmen, aber diese Härte, die sie als Domina zeigt, ist nur der Lack unter der rostigen Karosserie. Das hat gar nicht mal etwas mit ihrem Alter, als mit dem Umstand zu tun, dass sie einen „verbrauchten“ Eindruck macht. Womit wir wieder beim Puppen-Motiv wären: Puppen der Filmwelt werden angezogen, ausgezogen, präsentiert, in eine Figur gepresst und wenn sie abgebrannt und verbraucht sind, was passiert dann mit ihnen? Ich finde, Frau Huppert hat das Recht, in Würde zu altern. Wäre zu wünschen, dass ihre Regisseure es auch so sehen und ihr umwerfende Rollen in wirklich bemerkenswerten, tiefsinnigen, rätselhaften Werken geben, die man nicht jeden Tag zu sehen bekommt. 

THE BOOKSHOP ist für mich der Blick in eine vergangene Zeit, die man durch eine Art Kaleidoskop sieht; wie die Reise in einen weit entfernten und doch vertraut scheinenden Ort. Es weckt eigene Wünsche und Träume und gibt Mut, auch den widrigsten Umständen zu trotzen. Eine Violet Gamart findet man an jedem Ort. Diese Menschen, die einem alles madig zu machen versuchen, die - weil sie kein eigenes Leben haben, weil ihr Leben zu langweilig und bieder ist, oder weil sie fürchten, es könnte jemand Interessanteres kommen und ihnen den Platz an der Sonne streitig machen - jede noch so perfiden Schachzug anwenden, um einen kleinzuhalten, zu verunsichern und schließlich zu vergraulen. Neben Mister Edmund Brundish, gespielt von Bill Nighy, der den etwas steifen, aber nach anfänglicher Kälte warm werdenden Unterstützer und Freund von Florence darstellt, ist es die kleine Christine Gipping, die im Buchladen aushilft, welche für Florence eine wichtige Rolle einnimmt. Mit ihr teilt Florence die Liebe zur Literatur, die in Christine erst nach und nach entfacht wird. Ihr kann sie ausnahmslos vertrauen, weil die Kleine, anders als die meisten Erwachsenen in diesem Dorf, loyal und ehrlich ist. Und Christine findet in Florence eine Mentorin und Lehrerin, die ihr über Bücher mehr beibringen kann, als die Schule je vermag. 

Gespielt wird Christine von Honor Kneafsey und das macht die junge Darstellerin mit solcher Überzeugungskraft, dass man ihr ihren müden Blick im Unterricht durchaus abkauft und ihre Freude bei der Arbeit mitempfindet. Wer würde nicht viel lieber in einem Buchladen aushelfen, dabei etwas Geld verdienen und nebenbei Wissenswertes über die wichtigsten Autoren unserer Zeit erfahren? 

Getragen wird aber der Film vor allem von der Hauptdarstellerin Emily Mortimer, die geradezu prädestiniert ist für diese Rolle: sie hat so etwas Zartes, Feines, Zerbrechliches, und gleichzeitig wirkt sie entschlossen, eigenwillig und vor allem mutig. Mut steht im Zentrum dieses feinfühlig behandelten, von wunderbaren Landschaftsaufnahmen begleiteten Films. Mut dazu, seine Träume zu verwirklichen; Mut, den Steinen, die einem in den Weg gelegt werden, auszuweichen, sie aufzusammeln und daraus einen Buchladen zu bauen. Es gehört aber auch Mut dazu, wie Patricia Clarkson als Violet Gamart zeigt, sich als sogenannte frühe Influencerin, als einflussreiche Weltdame zu behaupten, in dieser männerdominierten Welt der 50er Jahre. Ihr Mann gehorcht ihr, genauso wie der Lebemann Milo North, der die Gutgläubigkeit von Florence schamlos ausnutzt. Muss man also, um in dieser Welt zurechtzukommen eine Violet sein, sich einen Teufel um anderer Gefühle scheren, sich die Männer untertan machen und potentielle Konkurrentinnen ausschalten, bevor diese sich etabliert haben? Ich denke, dass es Isabel Coixet nicht darum geht eine bestimmte Haltung zu propagieren. Selbst die durch und durch korrekte und anständige Florence kann sich bestimmter Gefühle und einer subtil vorgebrachten Kritik nicht erwehren: Ist ihr der Buchladen wirklich wichtig, oder will sie Violet Gamart nur zeigen, dass sie sich nicht von ihr einschüchtern lässt? Was, wenn sie Violets Vorschlag, das Haus aufzugeben, in dem Mrs Gamart ein Kulturzentrum gründen will, und in anderen Räumlichkeiten den Buchladen zu eröffnen, angenommen hätte? Diese Fehde geht schließlich zu Lasten des wirtschaftlichen Erfolgs. Florence wird ihren Laden schließen müssen. Und was wird aus Christine? Sie wird das Erbe, das Florence ihr hinterlassen hat, hegen und pflegen und in ein paar Jahren am gleichen Standort einen neuen Bookshop eröffnen. Es lebe die Leselust! 

Wo aber kommen diese Bücher her, die geschrieben und gedruckt werden, fragt man sich. Beispielsweise aus der ehemaligen Sowjetunion - wenn der Staat die Veröffentlichung genehmigt. Da sind wir also. Im Jahr 1971 in Leningrad. Die Stadt liegt im Nebel. Wieder wird der Jahrestag der Revolution gefeiert. Doch das Land tritt auf der Stelle: politisch, ökonomisch, kulturell. Sergej spürt es am eigenen Leib. Die Manuskripte des jungen Autors Sergej Dovlatov werden von den offiziellen Medien regelmäßig abgelehnt. Seine Sicht auf Dinge und Menschen wird nicht akzeptiert. Anderen ergeht es ähnlich, auch seinem Freund Joseph Brodsky, den die Staatsmacht ins Exil zwingt. Sergej aber will bleiben, ein normales Leben führen. Seiner Ex-Frau Lena bietet er ein freundschaftliches Verhältnis an, vor allem weil er seine Tochter Katya über alles liebt und sie nicht verlieren will. Und er will über die Entdeckung der Wirklichkeit schreiben, über die Arbeiter der Werft oder den Bau der Metro, wo eines Tages dreißig Kinderleichen aus dem Zweiten Weltkrieg gefunden wurden. 

Das ist nicht der einzige traurige Moment im Film. Man wird einige Male an solche menschlichen Abgründe gebracht, die einen aus dieser lethargischen Gemütslage, die sich wie der Nebel über den Film legt, aufrütteln. Neben der Lethargie ist auch die Enge, die sich vor allem in der viel zu kleinen Wohnung zeigt, welche sich Dovlatov mit seiner Mutter und anderen Autoren teilt, ein Zeichen dieser Zeit, in der die Autoren und Künstler feststecken. Eine Zeit, geprägt von Reformversuchen, dem sich das Regime vehement widersetzte, von Konservatismus (der 1964 ins Amt des Ersten Sekretärs und Generalssekretärs tretende Leonid Breschnew war ein Konservativer), vom Einmarsch durch die Warschauer-Pakt-Staaten gegen die Freiheitsbewegung des Prager Frühlings in der Tschechoslowakei. In diesem vom Staat reglementierten und kontrollierten Alltag, versucht sich Sergej Dovlatov zurechtzufinden, im Kleinen zu rebellieren, sich anzupassen, Schmerz und Müdigkeit zu ertragen, und alles mit seinem trockenen Humor zu sehen. Soweit es eben geht. 

Dabei erinnert der stämmige und zynische Sergej - bzw. der Schauspieler Milan Marić - in seiner Ausstrahlung, seiner Gangart, in der Art, wie er spricht und alles hinter einem Mantel der Ironie versteckt, eklatant an den Autor Wladimir Kaminer. Beiden ist dieser eigensinnige Humor gemein. Beiden gemein sind auch die brillanten ironischen Texte; Dovlatovs wurden erst dann gedruckt und gefeiert, als dieser im amerikanischen Exil mit 48 Jahren verstarb. Heute ist er einer der meistgelesenen Schriftsteller in Russland. Somit bewahrheitet sich Brodskys Ausspruch: „Wir sind die letzte Generation, die die russiche Literatur retten könnte.“ 

Alexey German Jr.’s Stärke ist es, sowohl extrem bedrückende Momente, das Gefühl der Ohnmacht und der Mutlosigkeit, und gleichzeitig ironische, witzige, durchaus auch befreiende Momente im Film zu erzeugen. 

In der französischen Komödie MADAME geht es um ein reiches amerikanisches Ehepaar, gespielt von Toni Collete und Harvey Keitel, das erst vor Kurzem nach Paris gezogen ist. Anne und Bob möchten sich der örtlichen High- Society gerne von der besten Seite zeigen und geben ein kleines Stell-dich-ein. Doch mit einem Gast hatte die Hausherrin nicht gerechnet: als Steven, Bobs Sohn aus erster Ehe, zu der Party stößt bringt er die abergläubische Anne in die Bredouille: Dreizehn Gäste an einem Tisch bringen Unglück, meint sie und bittet daher ihr Dienstmädchen Maria, sich als reiche spanische Freundin auszugeben. Von dieser vermeintlich spanischen Freundin ist der britische Kunsthändler David jedoch ungeahnterweise sehr angetan. Anne versucht verzweifelt, alles wieder in Ordnung zu bringen, weil es in ihren Augen nicht angehen kann, dass eine Hausangestellte ein Verhältnis mit einem reichen Mann eingeht. Tief in Annes Innerem geht es jedoch um eigene, unerfüllte Sehnsüchte... Maria denkt aber gar nicht daran, sich dem Wunsch der MADAME zu beugen und das Tête-à-Tête zu beenden; sie fühlt sich nämlich in ihrer neuen Rolle allmählich richtig wohl... 

MADAME ist eine kleine Abrechnung mit den Befindlichkeiten der Oberen Zehntausend. Aber auch nicht mehr als ein kleiner Tritt ans Schienbein. Als Gesellschaftskritik kann das bei weitem nicht betrachtet und bezeichnet werden. Es ist aber auch immer wieder nett anzusehen, wie die französische Filmwelt ihre kleine Fede mit Hollywood geschickt cineastisch verpackt, und ihre kleinen Seitenhiebe galant verteilt. Chapeau dafür! Die Genialität eines Truffauts oder Jeunets macht sich jedoch derzeit rar... 

Die Fotojournalistin Alex Martin und der Chirurg Ben Bass haben dasselbe Problem: ein heftiger Sturm hindert sie daran, den geplanten Flug nehmen zu können. Die resolute Alex möchte sich aber nicht mit dem Gedanken anfreunden, in Idaho festzusitzen, da die am nächsten Tag heiraten soll. Bei Ben steht wesentlich mehr auf dem Spiel: als Neurochirurg soll er das Leben eines Menschen retten. Gemeinsam beschließen sie, ein kleines Flugzeug mit einem unerschrockenen Piloten zu chartern. Ihr Ziel werden sie dennoch nicht erreichen, denn der Pilot erleidet in der Höhe einen Schlaganfall und das Privatflugzeug stürzt ab. Als einzige Überlebende in der schneebedeckten Wildnis, und ohne Aussicht auf baldige Rettung, müssen Alex und Ben der rauen Natur trotzen und sich gegenseitig beistehen, um nicht zu resignieren. Auf ihrer Hunderte von Meilen langen Tour fordern sie sich gegenseitig auf, durchzuhalten und entwickeln unerwartete Gefühle füreinander... 

ZWISCHEN ZWEI LEBEN - wie der US-amerikanische Abenteuerfilm THE MOUNT AIN BETWEEN US von Hany Abu-Assad im deutschen Verleih heißt, ist ein gut gemachter, weder verstörender noch tiefgründiger aber dramatischer Überlebensfilm. Basierend auf dem Roman „Erzähl mir dein Herz“/„The Mountain between us“ von Charles Martin und J. Mills Goodloe aus dem Jahr 2011, der im Oktober 2017 in einer Übersetzung von Ulrike Bischoff auch hierzulande erschienen ist, wurde die Geschichte eines Flugzeugabsturzes, vom Überlebens-kampf der Protagonisten, sowie ihrer wachsenden Zuneigung füreinander, erfolgreich für die Leinwand adaptiert. Getragen wird das Existenzdrama vom Filmpaar Kate Winslet und Idris Elba, ohne die der Film tatsächlich gefloppt wäre. Mit knapp 60 Millionen US-Dollar der weltweiten Einnahmen, kann man das nun dank der beiden überdurchschnittlich guten Darsteller nicht behaupten. 

Bei der Gelegenheit und im Hinblick auf die Diskussion um den Gender Pay Gap - die Lohnlücke zwischen Mann und Frau - fragt man sich: wie hoch ist überhaupt deren Honorar? Es ist gar nicht so einfach, das herauszufinden. Man erfährt so alles mögliche, zum Beispiel über Elbas Vorlieben für nackte Füße, aber wie die Schauspieler bezahlt wurden, danach muss man akribisch suchen und den Fund nahezu archäologisch ausgraben. So, here it is: Während Kate Winslet für ihre Rolle in THE MOUNTAIN BETWEEN US geschätzte dreieinhalb Millionen (3,500,000) US-Dollar erhielt, beläuft sich Idris Elbas geschätzte Jahres-Gage bei 60 Millionen US-Dollar, so dass man beim derzeit wohl bestbezahlten Darsteller von einem 12-Millionen-Dollar- Honorar ausgehen kann. Das ist zugleich sein derzeitiger Marktwert als Leinwand- und Fernsehstar. (...to be continued)

Bei den einen macht sich das in kleinen, scheinbar unbedeutenden alltäglichen Dingen bemerkbar, bei den anderen wird der innere Superheld nach außen getragen und zelebriert. Und wieder andere fangen klein an und werden zu großen Stars gemacht... 

Der schüchterne Endzwanziger Torsten Kachel lebt mit seiner Mutter im Osten Berlins. In der Gestalt von LUX - KRIEGER DES LICHTS versucht er, die Welt ein bisschen besser zu machen. Er verteilt regelmäßig Lebensmittel an Obdachlose und hilft auf seinen Streifzügen durch die Stadt, wo er kann. Ein Filmteam begleitet ihn dabei, um über das soziale Engagement des selbsternannten Real Life Superheros zu berichten. Weil sich das jedoch als recht unspektakulär entpuppt, findet Jan, der Regisseur, keinen Geldgeber für sein Projekt. Schließlich bekundet der gierige Produzent Brandt Interesse, allerdings unter der Voraussetzung, dass Jan ihm sensationelleres Material liefert: denn wo Superheld drauf steht, muss auch Superheld drin sein. Zögernd lässt sich Torsten von Jan dazu überreden, sich mehr auf die Bekämpfung von Kriminalität zu fokussieren. Zu Gunsten der Verbrecherjagd entfernt sich Torsten dabei allerdings immer weiter von seinen ursprünglichen Zielen. Lux wird zum medialen Hype. Doch die vermeintlichen Heldentaten wollen sich nicht einstellen. Erst als Torsten von der Stripperin Kitty um Hilfe geben wird, scheint LUX’ Stunde endlich gekommen: der vermeintlich große Moment erfährt jedoch eine unerwartete Wendung. 

Eindrücklich erzählt Wild in seinem bereits mit dem Drehbuchpreis des Sehsüchte Film Festivals und dem Heinz-Badewitz-Preis für das Beste Regiedebüt bei den 51. Internationalen Hofer Filmtagen ausgezeichneten Erstlingswerk, von der schöpferischen Kraft eines Außenseiters, dessen Impuls, anderen zu helfen und die Welt zum besseren zu verändern, wahrhaftige und echte kleine Heldentaten nach sich zieht. Der jedoch an der Gier, der Amoral oder Unmoral der Gesellschaft zu zerbrechen droht. Das Ganze führt uns der junge Filmemacher mit einer humorvollen Leichtigkeit vor, die uns das Eintauchen in die Welt des Helden leicht macht. Wir verfallen regelrecht dem Berliner Ostcharme und seiner Charaktere - vor allem dem Charme des Protagonisten, der seine Rolle überzeugend interpretiert. 

By the way: ist schon mal jemandem die Ähnlichkeit zwischen Franz Rogowski und Joaquin Phoenix aufgefallen? Das können Brüder sein. Da ich aber nichts von Vergleichen halte, das wisst ihr ja, würde ich natürlich nie vom deutschen Joaquin Phoenix sprechen. Regisseur Daniel Wild ging es genau um solche Identitätsstrukturen: „Wer bin ich und wenn ja, wie viele?“ lautet der Titel von Richard David Prechts philosophischer Abhandlung. Darin stellt sich der Autor die Frage: Was ist Wahrheit? Woher weiß ich, wer ich bin? Warum soll ich gut sein? Das sind genau die Fragen, die auch im Fokus des Films stehen. Dem „Übermaß an Selbstverwirklichungsmöglichkeiten“, diesem Streben danach, etwas Spezielles sein zu wollen, um sich aus der Masse hervorzuheben, die zu einer „Überforderung des Einzelnen führen kann“, wie der Regisseur konstatiert, stellt er eine simple Formel entgegen: Sei einfach. Nicht du selbst, nicht was die Gesellschaft für hip hält, nicht einzigartig, nicht der Typ vor oder hinter der Maske, nicht das Mädchen mit der Perücke, kein Selbstdarsteller, kein Aussteiger, sei einfach. Lebe. Aber die wirklich radikale Botschaft, die uns Wild um die Ohren pfeffert ist die Tatsache, dass uns der eigentliche Film auf der formalen Ebene ebenfalls vorgaukelt, etwas zu sein, was er nicht ist . Nämlich ein Abbild der Wirklichkeit.

Gedulden mussten sich meine Spidy-Fans, die sehnsüchtig auf meine Rezension zum 2017 erschienen Film SPIDER MAN HOMECOMING gewartet haben. Was zunächst als Verriss gedacht war, ist nun weniger „gepfeffert“ - so ist es eben, wenn man die Dinge mit zeitlichem Abstand betrachtet und sich die Emotionen etwas gelegt haben. Gleich vorweg: Der Film gefällt mir noch immer nicht besonders gut. Aber ich kann den ein oder anderen gelungen Witz, die jugendliche Lässigkeit, die ein oder andere stilistisch einwandfreie Szene, die CGI-reiche Actionkost, die nun auch im Marveluniversum angeboten wird, zwanglos anerkennen. 

Leider muss man dann wiederum einschränkend sagen, dass die pikareske, authentische, natürliche Art des durch Tobey Maguire verkörperten Spidys hier deutlich fehlt. Als dieser 2002 in die Rolle des Spider-Man schlüpfte, wurde er quasi über Nacht zum Star und erlebte einen kometenhaften Aufstieg in Hollywood. Vielleicht liegt es auch an Maguires Biografie, die sich deutlich von der des Shooting-Stars Tom Holland unterscheidet. Der im Jahr 1975 in Santa Monica, in Kalifornien geborene Tobias Vincent Maguire stammt aus ärmlichen Verhältnissen; sein Vater Vincent war Koch, verließ aber die Familie zwei Jahre nach Tobeys Geburt. Während seiner Kindheit wechselte Tobey mit seiner alleinerziehenden Mutter häufig den Wohnsitz und lebte u.a. in Kalifornien, Oregon und Washington. 2007 erzählte der Schauspieler in einem Interview mit der Zeitschrift „Player“, er habe in dieser Zeit ganze 12 x die Schule gewechselt. Durch die ständigen Neuanfänge habe er wenig Kontakte knüpfen können. Die familiären Probleme setzten ihm dermaßen zu, dass er als Teenager alkoholabhängig wurde. Glücklicherweise bekam er die Sucht im Alter von nur 19 Jahren mit Hilfe der Anonymen Alkoholiker in Griff. Er wollte zunächst Koch werden, wie sein Vater. Aber seine Mutter bot ihm 100 Dollar, wenn er statt des Hauswirtschaftskurses an der High School den Schauspielkurs belegen würde. Dieses Angebot nahm er an und widmete sich ab diesem Zeitpunkt voll und ganz seinem Talent, der Schauspielerei. Er machte in den 90er Jahren zunächst in THIS BOY’S LIFE an der Seite von Leo di Caprio von sich zu hören, war Teil des Schauspielensembles in DER EISSTURM von Ang Lee, und in PLEASANTVILLE - ZU SCHÖN UM WAHR ZU SEIN hatte er mit nur 23 Jahren dann seine erste Hauptrolle. Sam Raim verschaffte ihm dann den Durchbruch als Spider-Man. Fünf Jahre nach seinem Einstieg als Superheld, stieg er dann zum dritten und letzten Mal wieder wieder in sein rot-blaues Kostüm. Danach wurde es etwas ruhig um den legendären Peter-Parker-Darsteller. 

Nach dem Ausstieg aus der Heldensage, übernahmen Andrew Garfield und zuletzt, wie vorhin erwähnt Tom Holland in CAPTAIN AMERICA 3: CIVIL WAR die Rolle des Spider-Man. Der 1996 in Royal Borough of Kingston upon Thames, also in London geborene Thomas Stanley Holland ist der älteste von vier Söhnen von Dominic Holland, einem Comedian und Autor, und dessen Frau Nicola Elizabeth - einer Fotografin. Im Alter von neun Jahren begann er zu tanzen und wurde 2006 von der Choreographin Lynne Page entdeckt. Mit ihrer Hilfe gelang es Holland, 2008 in BILLY ELLIOT THE MUSICAL die Rolle von Michael, Billys bestem Freund zu bekommen. Bereits im September desselben Jahres verkörperte er die Hauptrolle. Seine Karriere bei Film und Fernsehen begann 2010, als er für den Zeichentrickfilm ARRIETTY - DIE WUNDERSAME WELT DER BORGER eine der Hauptrollen synchronisieren durfte. Keine Frage: der junge Mann, der bereits mit dem Saturn Award, dem Goya und dem Young Artist Award ausgezeichnet wurde, hat Talent. Aber auch das entsprechende Vitamin B... Er hat vielleicht seinem Vorgänger etwas mehr Körperlichkeit voraus, denn seine Erfahrungen als Tänzer und Akrobat waren ihm als „Wolkenkratzer hochkraxelnden Spinnenmann“ von Vorteil. Mir persönlich ist ein wortgewandter und sympathischer Spider-Man mit seinen Ecken und Kanten, und einer gewissen spitzbübischen Ausstrahlung, die aber im nächsten Augenblick auch den tragischen Momenten im Leben von Peter Parker weichen und die Maguire gnadenlos ehrlich zum Ausdruck bringen kann, lieber als ein Flik-Flak beherrschender Pseudoheld mit - wie meine Kritikerkollegen es in nahezu schleimig- anbiedernder Art schreiben - „der Anmut eines Athleten“, der seiner Figur Flügel beschert hätte. Buaaach. Da scheint mir ist der Kritiker etwas über sein Ziel hinausgeflattert. 

Wie dem auch sei. SPIDER-MAN HOMECOMING ist der gescheiterte Versuch, die aktuellen Superhelden mit dem Genre der Coming-of-Age-Komödie zu verbinden. Actionreich: ja, spannend: durchaus, tiefgründig und überzeugend: wohl kaum. Es fehlt an Intensität, an Charakterentwicklung, der Funke will nicht zünden und schließlich kann HOMECOMING auch nicht mit einem solch legendären Filmkuss aufwarten, wie in SPIDERMAN THE BEGINNING. 

Die Fortsetzung des Films THE FIRST AVENGER: CIVIL WAR von 2016, die unter der Regie von Jon Watts entstanden ist, und im Juli letzten Jahres in die Kinos kam, erzählt die Geschichte des in New York lebenden 15-jährigen Peter Parker. Eine kleine Hintergrundinfo an dieser Stelle: Der Engländer Tom Holland musste sich den amerikanischen Akzent antrainieren. Wäre natürlich äußerst schwierig gewesen, in Amerika einen athletischen Nachfolger zu finden. Nur um es mal klar zu stellen: Tobey Maguire selbst war es, der das Angebot, Spider-Man weiterzuspielen, ablehnte. Er wollte sich nicht auf ewig dieser einen Rolle verschreiben. Und seine Darstellungen in DER GROSSE GATSBY, LABOR DAY, BAUERNOPFER - SPIEL DER KÖNIGE gaben ihm, wenn sie auch nicht so spektakulär aufgenommen wurden, wie SPIDER-MAN, durchaus recht. Er hat das Zeug zu mehr! 

Aber jetzt wieder zurück zum neuen Peter Parker: Er ist, wie sein bester Freund Ned, ein Außenseiter an der New Yorker Midtown High School und in Liz, die Präsidentin des akademischen Zehnkampfteams, verknallt. So weit nichts Neues. Dann aber sehen wir Peter dabei zu, wie er sich auf seinem Laptop die Szenen der Geschehnisse in Deutschland anschaut: Nachdem er als Spider-Man an der Seite von Tony Stark als Iron Man am Leipziger Flughafen gegen Captain Americas aufsässige Avengers vorgegangen war, hinterließ ihm Tony einen neuen Hightech-Spider- Man-Anzug, dessen viele Funktionen Peter nach und nach entdecken muss. Und da war er schon: mein Ausstieg aus dem Film. Denn die Charme des Superhelden, des netten Jungen aus der Nachbarschaft mit den sprühenden Spinnenweben war es doch, dass er ein Einzelkämpfer war, einer, der sich für seine Leute einsetzte, der sein Leben riskierte, um die Kriminellen in Schach zu halten und zu bekämpfen. Hier geht es nun um einen Teenager, der dazugehören will. Er will bei den Großen mitspielen: den Avengers. Erwachsenwerden ist aber etwas anderes, als bei den Erwachsenen etwas zu werden. 

Im Verlauf des Films wird Peter Parker fast schon zum nervigen kleinen Rotzlöffel, der nahezu täglich bei Tonys Sicherheitschef nachfragt, ober er für irgendeine Mission gebraucht wird. Die Anbiederung hat also der Kritikerkollege nicht erfunden, sondern konsequent weitergeführt.
Als Peter einen Überfall auf die Geldautomaten einer Bank verhindert - ja, seine Touren macht er noch, aber nur um das technologisch hochentwickelte Equipment zu testen - da tritt mit dem skrupellosen Waffenhändler Adrian Toomes ein neuer Bösewicht auf den Plan. 

Was genau diesen Bösewicht antreibt ist erstmal unwichtig. Denn es geht darum, dass Peter seine Chance wittert, sich als Superheld beweisen zu können und damit endlich in den erlesenen Club der Avengers aufgenommen zu werden. Aber dazu muss er erstmal die „Kindersicherung“ an seinem hochmodernen Anzug deaktivieren. Wir sind im Bilde. Letztlich wird Peter, der zunächst feststellen muss, dass Liz’ Vater hinter allem Übel steckt, die Anerkennung erhalten, die er sich so sehr von Tony Stark wünscht: sie steckt in einer Tüte und liegt auf seinem Bett. Ob das dann die ersehnte Heimkehr einer vagen Vaterfigur ist, wage ich zu bezweifeln... 

SIEBEN MINUTEN NACH MITTERNACHT - A MONSTER CALLS

"Wie beginnt die Geschichte?" "Mit einem Jungen, zu alt, um noch ein Kind zu sein, zu jung, um schon erwachsen zu sein. Er rief nach einem Monster..."

Ein Junge schlägt sich durchs Leben, das es nicht gerade gut mit ihm meint. Seine Mutter ist an Krebs erkrankt, der Vater wohnt mit seiner neuen Familie in Amerika, und seine Großmutter ist eine eiserne, gefühlskalte Lady, deren Habseligkeiten scheinbar das Wichtigste für sie sind. Da kommt ihm ein Monster in Gestalt einer Eibe genau zu rechten Zeit, obwohl Conor O’Malley, wie der 12-jährige Teenager heißt, zunächst der gegenteiligen Meinung ist. Als hätte er nicht schon genug unter den Mobbing-Attacken einiger seiner Mitschüler zu leiden, machen ihm seine Alb- und Tagträume schwer zu schaffen… So könnte man die fantastische Geschichte SIEBEN MINUTEN NACH MITTERNACHT in wenigen Worten wiedergeben. Aber man hätte nur einen Bruchteil dessen erzählt, worum es hier wirklich geht. Man würde die innige Beziehung zwischen Conor und seiner Mutter außen vor lassen. Und genau um diese Liebe geht es; darum, wie schwer es einem jungen Menschen - der schon zu alt ist, um als Kind bezeichnet zu werden und noch zu jung, um als Erwachsener durchzugehen - fallen muss, die einzige Bezugsperson zu verlieren, die er hat. Dazu ist Conors Mutter eine verständige, geduldige, kreative junge Frau, die Conors Phantasie schon früh zu wecken wusste, die ihm von klein auf zeigte, dass es nichts gibt, was er nicht - dank seiner Vorstellungskraft - erreichen könnte. Eine so liebevolle, warmherzige Person zu verlieren, sie missen zu müssen, das ist kaum ertragbar. Sie leiden sehen zu müssen, und dabei zuzusehen, wie sie von Therapie zu Therapie, von Krankenhausaufenthalt zu Krankenhausaufenthalt immer schwächer wird, das kann ein Kind zerbrechen. Conors Rettung ist seine Fantasiewelt. Es ist seine Stärke aber auch seine Schwäche zugleich. Denn an der Schule wird er als verschrobener Träumer gesehen, und von seinem Mitschüler Harry und dessen Freunden regelmäßig verprügelt. Er kann nicht verstehen, warum Harry es auf ihn abgesehen hat und was er falsch gemacht hat, um dies alles erleben zu müssen. Auch die strenge Großmutter ist da keine große Unterstützung für Conor. Sie ist herrisch, und ihre „Einladung“ zu sich nach Hause, damit sich jemand um ihn kümmert, bringt den Jungen aus der Fassung. Er soll sein gewohntes Umfeld verlassen und nicht mehr bei seiner Mutter sein dürfen, um in einem Haus zu wohnen, das einem Museum gleicht? In dem es mehr Regeln gibt als Leben und Liebe? Ihr gegenüber kann er seine Gefühle offensichtlich nicht mitteilen. Doch wem kann er sich dann offenbaren? Wer könnte ihm seine Angst nehmen, die ihn jede Nacht heimsucht, die ihn träumen lässt, wie die alte Kirche in der Nähe seines Hauses einstürzt und wie sich ein Abgrund auftut, in dem eine geliebte Person hinabzustürzen droht? Seine Emotionen verarbeitet er, indem er zeichnet. Eines Nachts, genau um sieben Minuten nach Mitternacht, als er wieder vor einem seiner Bilder am Schreibtisch sitzt, hat sich eine große Eibe auf dem Friedhofshügel neben der Kirche, die er durch sein Fenster hindurch sehen kann, plötzlich in ein knorriges Monster verwandelt. Und der Baum, der rote Funken sprüht, kommt langsam auf ihn zu. Er spricht Conor an, sagt ihm, dass er ihn besser kenne als er sich selbst und dass er ihm drei Geschichten erzählen werde. Die vierte aber will er von Conor hören. Diese Geschichte wird seine Wahrheit sein; sein Albtraum, und vielleicht das Ende seines Leidens…
Bevor Conor die Geschichten zu hören bekommt, besucht ihn sein lange abwesender Vater und bringt seinem Sohn etwas Normalität zurück. Er darf für kurze Zeit wenigstens wieder Spaß haben, lachen, ausgelassen sein. Doch außer einer Einladung zu Weihnachten nach L.A. hat sein Vater ihm nicht mehr zu bieten. Er hat keinen Platz für ihn - weder in seiner Wohnung, noch in seinem Leben, wie es scheint. Er kehrt zurück und Conor muss notgedrungen zu seiner Oma, da sich der Gesundheitszustand seiner Mutter verschlechtert hat. 
Die Eibe indes hält sein Versprechen: Die Geschichten, die das hölzerne Monster mit den abstehenden Zweigen und Ästen erzählt, handeln von Märchenfiguren, wie man sie kennt: ein König, ein Prinz, eine Stiefmutter, eine arme Bauerntochter, ein Naturheiler, ein Pfarrer und dessen kranke Töchter, ein unsichtbarer Mann, der es nicht mehr sein wollte… Anders als in den üblichen Geschichten sind diese Figuren aber nicht eindeutig gut oder böse. So macht ihm das Monster klar, dass Conor seiner Großmutter vertrauen darf, dass auch sie eine zweite Chance verdient hat; der Junge lernt, dass Heilung vom Glauben abhängt, und dass man den Glauben nicht aufgeben darf. Es zeigt ihm, dass er es selbst in der Hand hat, gesehen, geachtet und respektiert zu werden. Conor erkennt durch die Hilfe des Monsters sich selbst und sieht, was in seinem Innersten schlummert: neben der Angst um die Mutter ist da noch etwas: der Wunsch, es enden lassen zu wollen. Und schließlich steht die Eibe ihm beim herbsten aller Schicksalsschläge bei, die ein Mensch durchstehen muss. Das ist Conors Wahrheit, seine Geschichte, kein Happy End im eigentlichen Sinne, aber ein Hoffnungsschimmer. Seine Mutter hinterlässt Conor ihre Zeichnungen - darin finden sich die Geschichten des Baumes wieder, auf dessen Schulter ein Mädchen sitzt…

Ein Monster kann einem Angst einjagen, es kann einem aber auch Ängste nehmen. Es kann diese Form eingenommen haben, um zu verheimlichen, wer eigentlich dahinter stecken mag. Vielleicht Conors Großvater, den der Junge im Haus seiner Großmutter auf einem Foto sieht, das den Großvater mit einem kleinen Jungen im Arm zeigt? Der kleine Junge ist Conor. Und der Großvater auf dem Foto wird von Liam Neeson dargestellt, der wiederum dem Monster seine Stimme verlieh. Wie könnte ein liebender Großvater zulassen, dass sein Enkel dies alles alleine durchmacht, ohne spürbare Hilfe zu bekommen? Wie könnte er, egal wo er sich befinden mag - in einer Eibe zum Beispiel - tatenlos zusehen, wie seine Frau, Conors Oma, ihren harten, strengen Kurs aufrechthält, statt dem Jungen ein wenig Spielraum zu gewähren, um seine Gefühle verarbeiten zu können? Die Strafe des ehemals lebenden Gatten kommt prompt: Ermutigt durch das Monster schlägt Conor das Wohnzimmer der Großmutter mit all ihren liebgewonnen Möbelstücken und Dekoartikeln klitzeklein. Was dem Jungen natürlich im Nachhinein sehr leidtut.
Die Großmutter ist zwar erschüttert, aber nach dem ersten Schock wird sie einsichtig: „Es gibt wichtigeres…“
Die Annährung und Versöhnung zwischen ihr und dem Jungen ist geglückt. Er bekommt in dem Haus seiner Großmutter ein neues Zimmer, das dem alten gleicht und findet auf dem Schreibtisch ein Heft mit dem Namen seiner Mutter: Lizzie O’Malley.

In feinsten Zeichnungen und liebevoll inszeniert erzählt Regisseur Juan Antonio Bayona in seinem tief berührenden, herzergreifenden Fantasyfilm SIEBEN MINUTEN NACH MITTERNACHT (Originaltitel: A MONSTER CALLS), basierend auf dem gleichnamigen Roman des amerikanischen Schriftstellers Patrick Ness, von Verlust, vom Loslassen und von einer unbezwingbaren Kraft, die in unserer Imagination steckt. Das Original-Buch ist von einer Idee von Siobhan Dowd inspiriert, deren unerwarteter Tod verhinderte, dass sie die Geschichte selbst aufschreiben konnte. Die Autorin starb vor zehn Jahren, nach drei Jahren Krankheit, im Alter von 47 an Brustkrebs.



I never saw a documentary like this one before! It’s the most heart-melting non-fiction movie! A documentary about cats and about the people of Istanbul you never get to see usually on TV… Kinotante

KEDI - VON KATZEN UND MENSCHEN von Ceyda Torun mit Bülent Üstün ist der langerwartete und langersehente Film aller Katzenliebhaber - und das scheint, den sozialen Medien nach zu urteilen, jede Menge Männlein und Weiblein und Kindlein zu sein. Und zur großen Überraschung der Filmsichtenden entdeckt man zugleich auch sein Faible für die Türkei bzw. für Istanbul. Vergesst für ne Weile Erdogan - was bei diesem Filmgenuß nicht allzu schwierig werden wird - und lasst euch von den beeindruckenden Kamerafahrten auf Istanbuls Straßen entführen, vergesst den Alltag und taucht in die miauische Welt der kleinen Fellfreunde ein, die sich hier ein kleines Paradies errichtet haben, in dem die Menschen ihnen Nahrung und ein Dach über dem Kopf bieten, Streicheleinheiten und Zusprache, Aufmerksamkeit, ja - man könnte durchaus von Liebe sprechen!
Tausende von Katzen streifen täglich durch die Straßen von Istanbul. Sie gehören niemandem und sind doch ein fester Bestandteil der Gesellschaft. Frei, unabhängig und stolz leben sie seit vielen Jahren inmitten der Menschen, schenken ihnen Ruhe und Freude, aber lassen sich nie besitzen. Ceyda Toruns faszinierender Dokumentarfilm begleitet sieben von ihnen durch den Alltag; jede einzelne der Katzen ist einzigartig und von außergewöhnlichem Temperament. Die Kamera folgt ihnen durch lebhafte Märkte, sonnige Gassen, Häfen und über die Dächer der Stadt - und fängt ihre besondere Beziehung zu den Menschen ein, deren Leben sie nachhaltig beeinflussen.
Ich habe von KEDI kurz nach seiner Fertigstellung gehört und den Film kennengelernt, da war es noch nicht klar, ob der Film einen deutschen Verleih findet. Ich war hin und weg von dieser Dokumentation, die ich so noch nicht erlebt habe. Es ist der herzerweichendste nicht-fiktionale Film, den ich je gesehen habe. Ein Dokumentarfilm über Katzen und über die Menschen in Istanbul, den man selten oder gar nicht, weder im Kino noch im Fernsehen für gewöhnlich zu sehen bekommt. Als Katzenbesitzerin - wir haben zwei - erkenne ich die Einzigartigkeit dieser Wesen wieder. Und ich bin mir sicher, dass KEDI - VON KATZEN UND MENSCHEN den hiesigen Zuschauern nahebringen wird, wie liebenswürdig die Bewohner Istanbuls sind. Ich zumindest habe mich sowohl in die kätzischen als auch in die menschlichen Protagonisten verliebt!

DAS KALTE HERZ

"Schatzhauser im grünen Tannewald, bist schon viel hundert Jahre alt. Dir gehört all Land, wo Tannen stehn - lässt dich nur Sonntagskindern sehn"

Einer der Höhepunkte im August war neben dem neuerlichen Besuch von Wolf Gaudlitz, die Preview der unter anderem in Loßburg gedrehten Neuverfilmung des Schwarzwälder Märchens DAS KALTE HERZ. Wilhelm Hauff brachte es im Jahr 1827 in seinem Märchen-Almanach heraus. Es wurde in zwei Teilen als Binnenerzählung in die Geschichte "Das Wirtshaus im Spessart" eingebettet.
Für die Neuverfilmung zeichnet der aus Baden-Baden stammende Regisseur Johannes Naber verantwortlich, der sich bereits mit Filmen wie NORDWAND, DER ALBANER oder ZEIT DER KANNIBALEN einen Namen in der deutschen und internationalen Filmlandschaft gemacht hat. Für seine vierte Regiearbeit verfasste Naber gemeinsam mit Christian Zipperle, Steffen Reuter und Andreas Marschall auch das Drehbuch und engagierte für die Haupt- und Nebenrollen Frederick Lau, Henriette Confurius, David Schütter,  Sebastian Blomberg, Roeland Wiesnekker, Jule Böwe und Moritz Bleibtreu und Milan Peschel. Zwei Monate vor dem Bundesstart fand die exklusive Premiere des Märchenfilms am 20. August im Subiaco Kino, Open Air im Kreuzgarten statt.
Für die Geschichtsunkundigen hier noch die Handlung des Hauff'schen Märchens: Der mittellose Peter Munk, Kohlenmunk-Peter genannt, lebt zusammen mit seiner Mutter und seinem Vater auf einem Köhlerhof im Schwarzwald. Das Geschäft läuft schlecht und die reichen und wohlhabenden Bürger des Dorfes erniedrigen die Köhler in einem fort.
Trotz des Standesunterschieds verliebt sich Peter in Lisbeth, die älteste Tochter des Glasmachers Löbl. Lisbeth ist die Tanzbodenkönigin und dem Sohn des Holzhändlers, Bastian, versprochen. Peter glaubt, dass er nur mit Reichtum und Ansehen Lisbeths Herz erobern kann. So macht er sich auf den Weg zum Glasmännle, einem sagenumwobenen Waldgeist. Auf dem Weg dorthin, im dunklen Wald, trifft er den gefährlichen Holländer-Michel - ein angsteinflößender Mann, der ihm Geld und Hilfe anbietet. Peter schlägt das Angebot aus und findet das Glasmännlein. Der alte Waldgeist kann jedem Sonntagskind, das zwischen elf und zwei Uhr geboren ist, drei Wünsche erfüllen. Peter wünscht sich von ihm, der beste Tänzer im Dorf zu sein, immer so viel Geld wie der Holzhändler Etzel in den Taschen zu haben und das schönste Glasmacher-Haus im Schwarzwald zu besitzen. Schon bald spielt und verliert Peter beim Würfelspiel gegen den reichen Etzel, hat aber dadurch genauso viel Geld in den Taschen wie sein Kontrahent. Mit dem gewonnenen Reichtum ersteigert er eine leerstehende Glasmacherhütte und beginnt als Glasmacher zu arbeiten. Zwei Wünsche wurden erfüllt und auch sein dritter Wunsch erfüllt sich, als er im Tanzduell gegen Bastian zeigen kann, dass er der beste Tänzer ist. Doch das Glück ist für Peter nur von kurzer Dauer, denn jemand aus dem Dorf hat seinen Vater ermordet. Die Liebe zwischen Lisbeth und Peter wird tiefer. Als das Geld aufgebraucht ist und die notwendigen 500 Taler für eine Hochzeit fehlen, versucht er durch ein Würfelspiel gegen Etzel abermals an Geld zu kommen. Etzel verliert das Spiel und hat kein Geld mehr in der Tasche, und auch Peter verliert daraufhin all sein Geld, ganz nach seinem Wunsch, immer so viel wie Etzel zu besitzen. Der Unglücksrabe sieht nur noch eine Lösung: beim Holländer-Michel um Geld zu bitten. Dieser bietet ihm an, sein Herz gegen eines aus Stein zu tauschen, wofür er Peter reichlich entlohnen würde. Nachdem Peter sein Herz verkauft hat, geht er nach Holland. Als er zurückkommt, hat er sich sehr verändert. Er ist gefühllos und berechnend, kann sich an nichts mehr erfreuen und weder lachen noch weinen. Er kann schließlich auch keine Liebe mehr empfinden. Lisbeth weigert sich daher, ihn zu heiraten. Peter realisiert, was mit ihm geschehen ist und sucht abermals den Holländer-Michel auf, um sein Herz zurückzufordern...

Wie im Original, ist der verzweifelte Kohlemunk-Peter eigentlich ein gutherziger, aber einfältiger Knabe, der sich seine Wünsche und vor allem seinen Handel mit dem Holländer-Michel nicht so recht durch den Kopf gehen lässt. Eigentlich will er nur Lisbeths Herz erobern und muss letztlich zu seinem Bestürzen feststellen, dass er genau hier zu scheitern droht.

Wilhelm Hauffs Geschichte fällt in die spätromantische Literaturphase nach den scharfen Zensurbestimmungen der Karlsbader Beschlüsse aus dem Jahre 1819. Seine Schwarzwaldsage DAS KALTE HERZ ist, neben den Märchen "Die Geschichte vom kleinen Muck", "Zwerg Nase" und dem von Wilhelm Grimm übernommenen "Schneeweißchen und Rosenroth", die bekannteste seiner Sagen.
Regisseur Johannes Naber hat nicht nur das altbekannte Märchen zu neuem Leben erweckt, er hat es geschafft, sie orginialgetreu unserer heutigen Sehgewohnheit anzupassen, somit eine universelle Heimatgeschichte für die Leinwand zu kreieren, die wegweisend ist und die viele Facetten menschlicher Existenz aufgreift: Liebe und Eifersucht, Familienbande und Zerwürfnisse, Selbstzweifel und Größenwahn bis hin zur zerstörerischen Selbstüberschätzung. "Ihr wollt Herrscher über der Welt sein", sagt der Waldgeist, das Glasmännchen, am Ende, sich an die Zuschauer wendend. "Dann macht was draus!" Aus einer kleinen Geschichte, die bis heute wirkt, hat das Filmteam zumindest schonmal etwas Großes auf die Beine gestellt. Etwas, was auch der Nachwelt von Bedeutung sein wird. Es ist nicht nur ein Film, den man staunend betrachtet, den man sich abermals anschauen kann, sondern eine heimische Legende, die viel über das Leben im Schwarzwald des 18. und 19. Jahrhunderts preisgibt und dennoch grundsätzliche, menschliche Eigenschaften thematisiert, die auch heute noch von Bedeutung sind.

Gedreht wurde DAS KALTE HERZ nicht nur in Loßburg (4 Tage auf dem Walterhof in Loßburg-Schömberg), sondern auch in Oberried am Schluchsee (15 Drehtage), im Elbsandsteingebirge bei Wuppertal und im Studio Babelsberg, wo bereits die gleichnamige DEFA-Verfilmung von 1950 mit Erwin Geschonneck enstanden ist. Übrigens kann man sich dieses klassische Filmwerk im Wilhelm-Hauff-Museum in Baiersbronn, das einige erinnerungswürdige Ausstellungsstücke beherbergt, ansehen. Hier findet sich auch die "Glasmännlehütte" und natürlich kann man sich auch einen Einblick in die traditionellen Berufe des Schwarzwaldes - Köhler, Glasmacher, Holzhändler - verschaffen.
DAS KALTE HERZ von Johannes Naber, wird am 20. Oktober bundesweit in den Kinos gezeigt. I tät' eich empfehle, neizugehe! 

Spieglein, Spieglein, was verbirgt sich hinter dir? Vielleicht ein anderer Teil von mir?

ALICE IM WUNDERLAND 2: HINTER DEN SPIEGELN

ALICE IM WUNDERLAND war schon ein Leinwandknüller, ALICE IM WUNDERLAND 2: HINTER DEN SPIEGELN, der am 26. Mai bundesweit in die Kinos kommt, setzt dem noch die Krone auf! Diesmal geht es weniger brutal zu, mehr metaphysisch; es geht nicht um Kämpfe, noch darum den Jabberwocky am Blumertag zu besiegen, diesmal geht es um das Leben ihres treuen Freundes, dem Verrückten Hutmacher. Und um die Zeit, die merkürdigerweise ein "er" ist; es geht darum, sich für andere einzusetzen, aber auch zu lernen, dass man Dinge nicht ungeschehen machen kann... Doch eins nach dem anderen und bloß nicht zu viel verraten: HINTER DEN SPIEGELN setzt dort an, wo ALICE IM WUNDERLAND aufhört. Alice Kingsleigh hat drei Jahre damit zugebracht, in die Fußstapfen ihres Vaters zu treten und mit ihrem eigenen Schiff über die sieben Weltmeere zu segeln. Wieder zurück in London entdeckt sie, dass sich zwar viel geändert hat, die konservativen Kreise und Greise sind jedoch nach wie vor existent und ihr Erscheinen im Haus der Ascots bringt alte Konflikte wieder zum Vorschein. Auf der Flucht vor dem abservierten Ex-Verlobten, sieht Alice Absolem, der sie zu einem magischen Spiegel führt. Durch den Spiegel gelangt sie zurück in die fantastische Welt von Unterland. Dort trifft sie alle ihre alten Freunde: das Weiße Kaninchen, die Grinsekatze, die Haselmaus, den Märzhasen, Diedeldum und Diedeldei, den Bandersnatch - der nun zum Kreis ihrer Freunde gehört - und natürlich den Verrückten Hutmacher, der aber nicht mehr er selbst ist. Er hat sein Mehrsein verloren. Der Grund: er erinnert sich plötzlich wieder daran, wie er seine Familie verloren hat. Der Kummer darüber hat dem Hutmacher die Lebensfreude genommen. Um ihm zu helfen, schickt die Weiße Königin Mirana Alice los, nach der Chronosphäre zu suchen, einer Metallkugel im Inneren der Großen Uhr, von der alle Zeit ausgeht. Mit ihrer Hilfe kann Alice eine Reise in die Vergangenheit antreten, um die Familie des Hutmachers zu retten.
Die Rote Königin Iracebeth lebt indes immer noch im Exil. Auch sie hat es auf die Chronosphäre abgesehen.
Für Alice ist diese Mission ein gefahrenvoller Wettlauf mit der Zeit, um den Verrückten Hutmacher zu retten, bevor sein letztes Stündlein geschlagen hat... im wahrsten Sinne des Wortes!

In ALICE IM WUNDERLAND: HINTER DEN SPIEGELN begegnen wir den unvergesslichen Figuren aus Lewis Carrolls beliebten Geschichten in einem neuen, farbgewaltigen, exorbitant-fantastischen Filmabenteuer wieder. Dabei interpretiert Regisseur James Bobin (Boubin) auf faszinierende Weise die spektakuläre Welt neu, die Tim Burton vor sechs Jahren erschaffen hatte. Tim Burton selbst blieb dem Film als Produzent verbunden.
Seit Jahren redeten Burton und seine Co-Produzenten, u.a. Suzanne Todd, über eine Fortsetzung von ALICE IM WUNDERLAND. Obwohl vieles unklar war, stand eines jedoch fest: Es würde sich nicht um eine unmittelbare Adaption des zweiten "Alice"-Buchs handeln, das Lewis Carroll sechs Jahre nach seinem ersten Werk verfasste und das aus biografischen Fragmenten bestand. Linda Woolverton lieferte sodann den Nachfolger ihres Drehbuchs zu ALICE IM WUNDERLAND - eine Fassung, die im Geist der Abenteuer von Carrolls dynamischer Figuren stand und mit viel Fantasie und Herz angereichert war. Suzanne Todd erklärt: "Linda hatte eine völlig neue Geschichte geschrieben, die von dem Buch inspiriert war und all den Figuren folgt, die wir im ersten Film liebgewonnen haben. Wir erleben, was mit ihnen seit dem ersten Film passiert ist. Und wir folgen ihnen in ihre Vergangenheit und erfahren noch mehr über sie."
Auch Johnny Depp, der den Verrückten Hutmacher spielt und seit langem ein begeisterter Fan der Geschichten von Lewis Carroll ist, war davon angetan, wie respektvoll Woolverton mit der Buchvorlage umgegangen ist.
Regisseur James Bobin war vom Konzept von Zeit und der Vergangenheit, die man verändern will, immer schon fasziniert. Ihn interessieren auch die Fragen, die sich automatisch daraus ergeben. Und das passte perfekt zu der von Woolverton ausgedachten Geschichte, die diese neuen Themen bereitwillig in ihr Drehbuch einfließen ließ. So war die Figur der Zeit - halb Mensch, halb Uhrwerk - geboren.
"Der Fluss der Zeit ist etwas", sagt Bobin, "das Alice immer als eine schlimme Sache betrachtet hat, weil Zeit ihr schon in frühen Kindheitstagen ihren Vater genommen hat. In dieser Geschichte lernt sie nun, dass Zeit nicht ihr Feind ist.."

Was für mich, eurer Kinotante, die Besonderheit dieser neuen, zweiten ALICE-Verfilmung ist? Nun, es sind trotz der CGI-Effekte und dem rasanten Tempo die leisen Töne, die Hinwendung zu den Figuren und ihren Schicksalen. Wer Alice im ersten Teil kennengelernt hat, weiß, dass sie mit Wunderland so gut wie abgeschlossen hatte. Sie kehrte zurück zu ihrer Mutter und der Hochzeitsgesellschaft, räumte in ihrer Welt auf und erfand sich neu, gondelte in der Weltgeschichte umher. Frei nach dem Motto: Brave Mädchen kommen in den Himmel, träumerisch-rebellische überall hin. Doch gleich nach ihrer Ankunft in London, als die neue Alice auf alte Muster und Strukturen, auf Missgunst und Feindseligkeit trifft, führt sie ihr Weg unweigerlich in die Zauberwelt zurück. Durch einen magischen Spiegel! Viel psychologisches Vorwissen ist nicht nötig, um hier Lewis Carrolls geniale Metapher zu erkennen: die Anwendung eines Kindermärchens, und in ihm der Spiegel als zentrales Motiv (was zuvor, im ersten Teil, der Traum war), wird unter Psychologen wie Jacques Lacan, Carl Rogers oder Heinz Kohut als eines der wichtigsten Elemente der Introversion, der Innenkehr beschrieben. Nicht umsonst ist Alice' Aufenthalt in einer psychiatrischen Einrichtung Teil der neuen Geschichte. Und das Unverständnis, die Empathielosigkeit, die die Ärzte ihr gegenüber an den Tag legen auch.
Es gibt noch andere Hinweise auf die psychoanalytische Dimension, die im Vorgängerfilm bzw. dem Buch angelegt wurden und hier weitergesponnen werden: als Alice ihren Vater fragt, ob sie den Verstand verloren habe, als der Hutmacher Wunderland erklärt...
Und auch der Dialog zwischen Alice und der Grinsekatze im ersten Teil deutet darauf hin, dass wir uns mit Freud als ständigen Begleiter wieder aufs Neue nach Unter- oder Wunderland hineinbegeben:
"Aber ich möchte nicht unter Verrückte kommen", meinte Alice. "Oh, das kannst du wohl kaum verhindern", sagte die Grinsekatze: "Wir sind hier nämlich alle verrückt. Ich bin verrückt. Du bist verrückt." "Woher willst du wissen, dass ich verrückt bin?" erkundigte sich Alice. "Wenn du es nicht wärest", stellte die Grinsekatze fest, "dann wärest du nicht hier."
Nun ist es also Tarrant Hightopp, der Verrückte Hutmacher, der verrückter denn je ist. Die Trauer hat ihn den Verstand verlieren lassen, heißt es. Aber könnte nicht Tarrant in Wirklichkeit eine Spiegelung von Alice sein? Derjenige Teil in ihr, der den Tod des Vaters noch nicht verarbeitet hat? Und könnte nicht auch die Weiße Königin ein Teil von Alice sein, die sich plötzlich ihrer eigenen Verantwortung gegenüber einer harmonischen Mutter-Tochter-Beziehung gewahr wird? Die sich auch eingestehen muss, selbst nicht perfekt zu sein? Weder von Sinnen noch über allem Erhaben...
Die Reise nach Wunderland ist demnach - was keine neue Erkenntnis ist, sondern mindestens so alt, wie die Bücher selbst - eine innere Reise. Die herangewachsene, 19-jährige Alice hatte ihre Abenteuer im Wunderland zwar erfolgreich verdrängt, doch in ihren Träumen wurden die Erlebnisse, die Jahre zurücklagen, wieder lebendig. Waren es vor allem Ängste, die sie im ersten Teil heimsuchten - verkörpert durch monströse Wesen - und auch unerfüllte Wünsche nach Anerkennung und Trost, sind es hier Verlust und der Wunsch danach, etwas zurückzuholen aus einer Zeit, in der alles noch in Ordnung war. 
So kehrt Alice, eine der ersten Feministinnen in der männlich-dominierten, viktorianischen Gesellschaft und vielleicht die erste emanzipierte junge Frau in einem Kinderbuch überhaupt, dorthin zurück, um Krisensituationen zu klären. Sie scheint diesmal gefestigter, selbstbewusster - und doch liegen unverarbeitete Kindheitserlebnisse hinter ihr, die sie aufzulösen sucht, um mit sich selbst ins Reine zu kommen, aber auch mit der Außenwelt.
Einfühlsamer und spannender hätte man dank James Bobin, der die farbenfrohe, skurrile Welt Lewis Carrolls und Tim Burtons in ausgezeichneter Weise neu auf die Leinwand zaubert, die Themen um Selbsterkenntnis, Entfremdung, Selbstfindung, Verlust der Sinnhaftigkeit der Welt, Neu-Orientierung und Versöhnung - sowie die Mahnung, die Zeit zu achten - nicht filmisch umsetzen können. Klingt jetzt komisch, man kann es aber auch so sehen: ALICE IM WUNDERLAND 2 ist genau genommen ein fantastischer Kino-Trip, aus dem es kein böses Erwachen gibt.

THE HATEFUL 8
An all-American, damn-bloody history                                                          

Ist es brutal, ist es genial? Ist es "Cinemascope"*? Ja? Dann ist es ein Tarantino-Streifen!
Seit RESERVOIR DOGS gehört Quentin Tarantino zum heißen Eisen unter den Autorenfilmern. Er weiß, wie man inszeniert: seien es die Straßen L.A.'s, Downtown Area, wo sich seine stilsicheren Gangster und Killer aufhalten, oder die Prärie, in der die Cowboys, Kopfgeldjäger und Banditen in Slow Motion, begleitet von einer tragenden 60er-Jahre-Titelmelodie von ihren glänzend gestriegelten Pferden mit goldschimmerndem Halfter absteigen, die Zigarette im Mundwinkel, den Hut tief ins Gesicht gezogen, eine Blutspur hinterlassend...
Für seinen achten Film hat sich der Kultregisseur wieder einmal den Italowestern zu eigen gemacht, dem er als Sohn eines Amerikaners mit italienischen Wurzeln schon in frühen Jahren verfallen ist. Kein Wunder, wenn die Eltern den kleinen Quentin nach Quint Asper, einer Figur aus der Westernserie "Rauchende Colts" benannten! Als Teenager hatte er bereits ein solch umfangreiches Filmwissen, dass er in seinen frühen Drehbüchern Filmzitate verwendete, vorzugsweise aus asiatischen Filmen und natürlich dem Western.
Er weiß, wie er den wilden Westen darstellen muss, damit er authentisch, nah und doch hochstilisiert zugleich wirkt. Der Clou in seinem neuen Werk: Er brachte die Filmmusik-Koryphäe Ennio Morricone dazu, nach über 40 Jahren wieder Filmmusik für einen Western zu komponieren. Das schafft unter den modernen Filmemachern nur er. Und nur er schafft es, die Blütezeit des Genres wiederzubeleben, während er konsequent Sozialkritik übt an die weißen Eroberer, deren rauchende Colts seine indianischen Vorfahren auf dem Gewissen haben; die Sklaventreiber waren und unter denen die Frauen nicht viel zu lachen hatten. Da wurde die Schrotflinte nicht selten zum besten Freund einer alleinstehenden Rangerin. Seine Jungs sind knallharte, zähe Burschen, die Frauen haben Haare auf den Zähnen, die manchmal einzeln ausgespuckt werden, weil sie sich mit ihnen angelegt haben. Die malerischen Breitbild-Kulissen und liebevoll dekorierten, in wärmendem Licht gehaltenen Interieurs bilden den Kontrast zu den gewaltvollen Ereignissen, zu dem Blut und dem Gemetzel. Der Mythos eines Sergio Leone wird herangezogen und um die Besiedlungsgeschichte ergänzt, neu definiert. Quentin ist der Godfather of all-American, damn-bloody history!
Dabei knüpft er eigentlich an den Ursprung des Genres an, in dem die oftmals beschworenen "amerikanischen" Tugenden - Anständigkeit, Ehrlichkeit und Altruismus - ins Spiel gebracht werden. In THE HATEFUL EIGHT spürt Tarantino den Wurzeln allen Übels nach, ausgehend vom letzten Gefecht aus Sicht eines Sklaven in DJANGO UNCHAINED, zum Post-Bürgerkriegs Szenario, in dem trotz offenkundiger Befreiung der afroamerikanischen Bevölkerung weiter diskriminiert und gehasst wird. So ist sein Film auch in Kapiteln unterteilt, die nicht gänzlich einer zeitlichen Chronologie folgen: bevor es zum großen Showdown kommt, gewährt uns der Regisseur einen Blick in die Ereignisse, die vor dem Filmbeginn stattgefunden haben. Und lässt uns über Helden und Antihelden bis zum Schluss im Zweifel. Gut und Böse, Schwarz und Weiß - die Grenzen verschwimmen in diesem auch gut als Theaterstück funktionierenden Kammerspiel. Gut ein Drittel dieses US-Western spielt sich nämlich in einem einzigen Raum ab: Minnies Kurzwarengeschäft wird zur Herberge für acht Personen, die im Schneesturm an einem Gebirgspass einander begegnen. In einer Kutsche sind zunächst John "der Henker" Ruth, seine Gefangene Daisy Domergue und der Kutscher O.B. Jackson unterwegs nach Red Rock um die Abrtünnige der Justiz zu überlassen. Das heißt, Daisy soll gehängt werden. Unterwegs treffen sie auf Major Marquis Warren - einem Kopfgeldjäger, der nicht lange fackelt, wenn es darum geht, die Gefangenen abzuliefern: bei ihm heißt "tot oder lebendig" eindeutig ersteres; alles andere wäre zu mühsam. In der Kutsche nimmt bald ein weiterer Fahrgast Platz: Chris Mannix, der neue Sheriff von Red Rock. Die Fronten sind gleich zu Beginn gesetzt und klar, aber werden sich im Laufe der Geschichte ein wenig verschieben. Dazwischen sind wir Zeugen einer formidablen Ensemble-Darstellung, um Samuel L. Jackson, der den Major Marquis spielt, Kurt Russell alias John Ruth, Jennifer Jason Leigh als Daisy, Walton Goggins in der Rolle des neuen Sheriffs Chris Mannix und James Parks als der Kutscher O.B. Jackson. In der Herberge trifft die illustre Truppe auf Bob "den Mexikaner" (Demián Bichir), der in Abwesenheit von Minnie den Laden schmeißt, auf den Cowboy Joe Gage (Michael Madsen), dem ehemaligen Konföderierten-General "Sandy" Sanford Smithers (Bruce Dern) und auf den eigentlichen Henker von Red Rock: Oswaldo "der kleine Mann" Mobray. Gespielt wird dieser von Tim Roth und wenn er Christoph Waltz in dieser Tarantino-Besetzung zum Verwechseln ähnlich sieht, ist es pure Absicht! Auf die gleiche schlitzohrmässige Weise, die fuchsgleiche Art, tritt Oswaldo wie Dr. King Schultz in Erscheinung. Sogar ein "Bingo" entspringt dem "kleinen Mann" - das ist jedoch aus einem anderen Tarantino-Film, in dem Waltz brilliert...
Ja, Quentin zitiert sich gerne selbst, nimmt Bezug zu eigenen Filmen und lehnt die Figuren an vorangehende Geschichten an, lässt sie von Film zu Film verwandt und verschwägert sein. Er arbeitet gerne mit einem Stammensemble zusammen - darunter Samuel L. Jackson, Michael Madsen, Tim Roth, Kurt Russell - und besetzt wiederkehrende Figuren neu; und er spielt auf Dialoge an, die sich in anderen seiner Geschichten wiederfinden. Damit entwirft er eine eigene Welt, in die die Tarantino-Kennerin eintauchen und sich anhand der klug eingefädelten Assoziationen und Verknüpfungen ihren oft höchstamüsanten Reim machen kann. Auch ohne Vorwissen, kann man sich dem Unterhaltungswert sicher sein. Allerdings geht einem doch etwas ab. Auf Nummer sicher sein heißt, sich die Vorgängerfilme ansehen, sämtliche Martial-Arts und B-Movies sowie die genannten Spaghettiwestern, insbesondere ZWEI GLORREICHE HALUNKEN und den Sleaze-Klassiker DER TOLLWÜTIGE reinziehen - und wo man schon dabei ist, sollte man unter anderem an die folgenden wiederkehrenden Elemente, Gegenstände und Konsumgüter nicht achtlos vorbeigehen: "Red Apple"-Zigaretten, Tierfell, Schnee, Jesus-Figur, sechsspännige Kutsche, Süßigkeiten, Live-Musik und Eintopf!


*Für die Fachleute: Das Format heißt natürlich Ultra Panavision 70 - mittels anamorphen Objektiven aus den 60er Jahren gedrehtes, mit einem Seitenverhältnis von 2,75:1 ultraweites Bildformat. Cinemascope ist im Prinzip dasselbe: ein anamorphotisches Verfahren der Breitbildaufzeichnung, das sich Twentieth Century Fox in den 1950er Jahren schützen ließ.
Ich bezeichne es in meiner Rezension als "Cinemascope" weil die meisten Kinogänger damit mehr anfangen können. Don't bite me for this!

*Zu den Hintergründen in Bezug auf die Produktion, dem sogenannten "Tarantino-Leak", und dem "politischen Statement" des Regisseurs, dem ein Polizeiboykott folgte, nehme ich bewusst keinen Bezug: das hat mit der Qualität des Films und der Perzeption nichts zu tun. Wer aber Näheres darüber wissen möchte, kann gerne die Kontaktfunktion nutzen und mir eine Frage stellen. Oder selbst googeln.

MY TALK WITH FLORENCE - EIN LEBEN IN DER KOMMUNE DES OTTO MÜHL
& DIE KINDER VOM FRIEDRICHSHOF

Vor ein paar Jahren, im November 2010 um genau zu sein, luden Liza und Sebastian Heinzel im Rahmen ihrer Reihe "Filmwelten"  die Regisseurin Juliane Großheim nach Loßburg ein. Im dörflichen Umfeld stellte die Berlinerin ihren Film DIE KINDER VOM FRIEDRICHSHOF einem interessierten Publikum vor. Anschließend wurde rege über das Gezeigte diskutiert. Es geht darin um die Kommune des Wiener Aktionskünstlers Otto Mühl: der Friedrichshof, eines der umstrittensten künstlerischen Experimente der 1970er Jahre, gegründet als Aktionsanalytische Organisation (AAO). Freie "Liebe", Gemeinschaftseigentum, die Auflösung traditioneller Muster, tradierter Werte, die Aufhebung von Familienstrukturen, und die Anerkennung und der Einsatz des Körpers als eigenes Kunstwerk, sollten das ideale Fundament für dieses Projekt bilden, das bis zu 600 Mitglieder anzog.
Die Kinder der Kommunarden wurden in besonderer Form in Otto Mühls Vorhaben miteinbezogen: Sie sollten die Träger seiner Utopie sein, die sogenannte "Dritte Generation", anhand der sich sein neuer Erziehungsstil bewähren sollte.
Im Jahr 1991 wurde Otto Mühl in Österreich wegen Kindesmissbrauch und Verstoß gegen das Suchtgiftgesetz zu sieben Jahren Haft verurteilt. Seine Kommune löste sich auf. Der harte Kern um Otto Mühl zog zuerst auf die Kanareninsel La Gomera, dann an die Algarve, nach Portugal. Das alternative Gesellschaftsmodell, das auf radikale Weise die Kleinfamilienstruktur aufbrechen wollte, gab es auf dem Friedrichshof in der Form nicht mehr; aber als "lockeres Gemeinschaftsleben" besteht die Kommune noch heute weiter - neu organisiert, "ideologiefrei", wie sie sich jetzt nennt. Mühl selbst lebte bis zu seinem Tod im Mai 2013 in Portugal.

Der mehrfach ausgezeichnete Film von Juliane Großheim porträtiert mit viel Feingefühl vier junge Erwachsene, die ihre Kindheit im Friedrichshof verbracht haben. Ihnen allen gemein ist der Verlust einer "normalen", unschuldigen, heiteren Kindheit, die Trennung von ihren Müttern und Vätern, das Leben in einer strikten Hierarchie und das Befolgen von Befehlen, die bis zum Äußersten gingen. Anstelle der propagierten Freiheit und Gleichheit, mit der man das Kommunenleben oft in Verbindung bringt, trat hier ein Demagoge, ein faschistoider Herrscher in Erscheinung, der dem Einzelnen kaum Eigenständigkeit und Wahlmöglichkeiten gab. Kontrollzwang stand auf der Tagesordnung. Selbst diejenigen, die es schafften, die Kommune zu verlassen, wurden sie im Inneren nicht mehr los. Wie die nunmehr erwachsenen, ehemaligen Kommunardenkinder: Attila Mühl (Otto Mühls Sohn), Nico Aimar, Pati Dubois, Nina Schlothauer und Andy Simanowitz.

Wie auch Florence Burnier-Bauer. Sie gehörte zu der Elterngeneration, kam selbst als junge Mutter zum Friedrichshof. In ihrem ungeschönten, aus erschütternden Erinnerungen bestehenden Lebensbericht, erzählt die Künstlerin dem Filmemacher Paul Poet, wie ihr schicksalhafter Weg sie zur Kommune führte. Frei von Selbstmitleid schildert sie in gut zwei Stunden die grauenhaften Erlebnisse ihrer Kindheit, ihrer Jugend; vom Missbrauch im Elternhaus, über das Leben auf der Straße, begleitet von Drogenkonsum und Kriminalität, bis zur Kommune mit der strengen Gruppenordnung, den Zwängen, den erneuten Misshandlungen und Demütigungen.
In MY TALK WITH FLORENCE geht der Dokumentarfilmer und Journalist, Autor und Medienwissenschaftler Poet auf die Geschehnisse seiner Protagonistin und Gesprächspartnerin ein, lässt sie zu Wort kommen und in einer fast ausschließlichen, von Kameramann Johannes Holzhausen gedrehten Großaufnahme, gewinnt der Film dabei an Brisanz, an Eindringlichkeit. In uns wächst die Wut, wie sie auch in dem Filmemacher gewachsen sein muss, wie sie vor allem Florence ein Leben lang begleitet haben muss; und es wächst das Unverständnis in uns für den Grund solcher tiefe Narben hinterlassenden Erfahrungen. Der Versuch, nicht wertend zu sein, gelingt dem Fragenden. Sein Dokumentarfilm besteht aus ungeschnittenem Material, das er völlig schnörkellos präsentiert. Nur durch kurze Zwischensequenzen, die Fotos und andere Originalaufnahmen zeigen, werden die Schilderungen der mit einer Puppe im Arm sitzenden Florence unterbrochen.
Das Gespräch mit ihr führte Paul Poet bereits im Jahr 2008, Teile daraus stellte der ebenfalls als Performer tätige Filmemacher in einem anderen Zusammenhang aus. Im Kino wirkt das, was uns Florence erzählt, was uns der Film mit schonungsloser Direktheit aber auch mit sensiblem Blick wiedergibt, noch um einiges Drastischer. Wir haben keine schützende Ablenkung. Da sitzen wir in unseren Kinostühlen und nehmen Anteil an jenen Dingen, die Florence entschieden geprägt haben, die ihr den Boden unter den Füßen zogen, die ihre Rebellion angestachelt haben, die sie letztlich zu einer Frau werden ließen, die sich heute mit bemerkenswert distanzierter Reflexionsfähigkeit und befreiendem Humor damit auseinandersetzen und die sich vor allem behaupten kann.

Nur einzig die eine, nicht heilen wollende Wunde klafft am Ende doch noch auf: Florence musste miterleben, wie ihren Kindern auf ähnliche Weise Leid zugefügt wurde. Stellvertretend für andere Kommunen-Eltern durchlebt Florence in dem Film erneut die Hölle. Die Versöhnung mit sich selbst kann nur außerhalb der Leinwand erfolgen.


DIE KINDER VOM FRIEDRICHSHOF. Die Kommune Otto Mühl. Dokumentarfilm, Deutschland 2009, 81 Min. Buch und Regie: Juliane Großheim, Produktion: unafilm, arte. Erstausstrahlung: 18. Juli 2010 bei arte.

MY TALK WITH FLORENCE - EIN LEBEN IN DER KOMMUNE DES OTTO MÜHL. Dokumentarfilm, Österreich 2015, 129 Min. Buch und Regie: Paul Poet, Verleih: Drop-Out Cinema eG. Kinostart: 14. Januar 2016.

Beide Filme werden im Wiener Metro Kino im Februar 2016 zu sehen sein.

ICH UND KAMINSKI
"Man sieht nur mit dem Herzen gut. Das Wesentliche bleibt für die Augen unsichtbar" Antoine de Saint-Exupéry

Wie fange ich an? Wie beschreibe ich ein lebendiges Gemälde? Ein Werk, das die Luft eines Künstlers atmet, seine Aura widerspiegelt und das mit solcher Nonchalance, mit einer unbeschwerten Leichtigkeit, mit viel Humor und herausragenden, brillianten Darstellern, das einem der Atem stockt vor Lachen, vor Staunen und Bewunderung. Film ist wie Kunst ist wie Essen ist wie Liebe. Du weißt nicht, was dich erwartet, ob es dir zusagt; noch kannst du es nicht wissen, bevor du es erlebt hast. Es ist ein Schnappschuss, ein Augenblick, eine Berührung, es geht um die Magie des Moments. Die es gibt oder nicht gibt. Diese Magie kann man nicht erzwingen. Und der unbändige Wunsch danach, kann einen erblinden lassen. Die Hoffnung ist es, die Zuversicht, die zählt.
Zuversichtig ist Sebastian Zöllner, ein bissig-charmanter, bisweilen arrogant-ekliger Schelm mit Hang zur Selbstüberschätzung, ganz bestimmt. Er ist Kunstjournalist und kurz davor, seinen großen Coup zu landen. Nämlich die große Lebenslüge, die den Maler Manuel Kaminski einst berühmt machte, aufzudecken. Sein Enthüllungsbuch soll ihn ganz groß rausbringen. Die Arbeiten zur Biographie über den Schüler von Matisse und Freund von Picasso, der einst als "blinder Maler" gehandelt wurde, gestalten sich jedoch schwerer, als Zöllner sich gedacht hatte. Die Tochter des Künstlers hindert den skrupellosen und ehrgeizigen Karrierist daran, sich dem hochbetagten Herrn, der zurückgezogen in einem Chalet hoch oben in den Alpen  wohnt, zu nähern. Aber mit Einfallsreichtum, List und einer gehörigen Portion Dreistigkeit gelingt es dem Biografen in spe nicht nur in das Haus einzudringen, einige Geheimnisse zu lüften, sondern Kaminski sogar auf eine Reise in die Vergangenheit mitzunehmen - um seine totgeglaubte Jugendliebe wiederzutreffen.
Die Autofahrt, so glaubt Zöllner, wird ihm helfen, sich das Vertrauen von Kaminski zu erschleichen. Es kommt natürlich ganz anders, denn der Maler ist Zöllner haushoch überlegen. Die Komödie wird zum Road-Movie und zum Selbstfindungstrip. Am Ende sieht Zöllner nämlich ein, dass er sich vielleicht eine ganze Weile lang auf dem Holzweg befunden haben könnte. Hat er wirklich?

ICH UND KAMINSKI, basierend auf den gleichnamigen Roman von Daniel Kehlmann, ist keine "Satire auf den modernen Kunstbetrieb", wie ihn viele meiner Kollegen verstanden haben wollen. Wolfang Becker ergreift genau diesen Aspekt und kehrt die Satire um. Wir lachen nicht über die Kunstwelt, sondern mit ihr, nicht über Zöllner, dem äußerlich gescheiterten, unerfahrenen Kunstkritiker, sondern schmunzeln eben über seine Unbeholfenheit und dem Faux-Pas vieler Anfänger: seiner eitlen Großspurigkeit. Das ist Beckers große Leistung, dass er seine Figuren nie verrät, auch die alten Maler nicht, deren Lebenswerk er sogar mit einer genialen Montage, den pitoresken Übergängen vom Gemälde zum Film, würdigt.
Die Wahl auf Daniel Brühl als Sebastian Zöllner und dem dänischen Mimen Jesper Christensen als Manuel Kaminski zeigt, dass Becker das sichere Gespür für seine Protagonisten hat. Er hat die Essenz der Geschichte förmlich eingeatmet, sie derart bildgewaltig und doch immer mit einem Augenzwinkern szenisch verarbeitet, dass man gewiss Lust entwickelt, sich den Film mindestens einmal anzuschauen.
Wenn es überhaupt einen Kritikpunkt an diesem stilistisch einwandfreien, herrlich komischen Film gibt, dann kommt sie selbstverständlich aus der Kunstkritikerszene, die es mal wieder nicht schafft, über ihre eigenen Empfindlichkeiten und Unzulänglichkeiten hinwegzusehen.
Andererseits feiern andere wieder in völliger, alberner Selbstüberschätzung die vermeintlich "entlarvte Kunstwelt", ohne den Film richtig verstanden zu haben. "Menschliches, allzu Menschliches", würde Nietzsche sagen. Um es mit den Worten Zöllners auszudrücken: "Jeder sagt was anderes, alle widersprechen sich, nix passt zusammen." Schön, dass wenigstens eine(r) sieht, worum es wirklich geht. Das Wesentliche bleibt eben für die Augen unsichtbar...

MY STUFF - WAS BRAUCHST DU WIRKLICH?

Nackt bis auf die Knochen auf die winterliche Straße rennen, um sich aus dem Container eine der gelagerten Habseligkeiten zu holen? Das geht wohl nur in Helsinki.
Petri Luukkainen ist 26 Jahre jung und hat genug vom übermäßigen Konsum, dem Kaufrausch, dem er sich seit der Trennung seiner Freundin ausgesetzt hat. Er will in einem Selbstexperiment herausfinden, was wirklich nützlich ist. Überlebensnotwendig. Innerhalb eines Jahres, so hat er sich selbst zur Regel gestellt, darf er täglich einen Gegenstand aus dem Lager holen. Und er darf in dieser Zeit auch nichts Neues erwerben. Er möchte sich neu erfinden, als Asket der Neuzeit. Daraus entstanden ist seine Dokumentation MY STUFF, in der er uns einen Einblick gewährt in die tägliche Entscheidung, welche Dinge er braucht und welche er noch nicht aus der Container-Gefangenschaft befreit.
Mit trockenem, skandinavischem Humor offenbart Petri seine Schwächen und zeigt zugleich auch selbst unerkannte Stärken: dass er beispielsweise mit den typischen "7 Sachen" klarkommt, dass er erfinderisch sein kann, pfiffig und dass wenig besitzen und nach und nach für ein wenig mehr "Komfort" zu sorgen, den Lebensstandard auf diese Weise minimal zu erhöhen, schon immense Glücksgefühle hervorrufen kann. Dass man so selbst zum Glücksschmied wird, hätte er vor Jahren nie zu träumen gewagt. Ein Mantel, ein Paar Schuhe, eine Decke, eine Jeans, ein Hemd, Schal, Matratze... Was braucht man mehr?
Die Großmutter spickt Petris Suche nach dem Glück mit Weisheiten, Ratschlägen und einer guten Portion Realismus: "Ein Kühlschrank ist das wichtigste für eine Frau" - als Petri seiner neuen Liebe begegnet, wird dieses Alltagsgerät plötzlich zum Verhängnis.

MY STUFF ist ein ruhiger, unspektakulärer Film. Hätte ihn ein Hollywood-Regisseur gedreht, wäre Petri ein überaus reicher Hipster, der in einer Villa lebt und sich vor Luxus kaum retten kann, der moderne GLÜCKSRITTER eben. Aber in Finnland ticken die Uhren anders, da geht es weniger um die sensationelle Story, vom geläuterten Reichen, als von einem jungen Mann, der von "Null" anfangen möchte. Wie ein Neugeborenes liegt er auch in der ersten Nacht, zusammengekauert, nackt auf dem Boden.
Während seine Freunde glauben, dass Petri durchgedreht ist, bahnt er sich von "Ding" zu "Ding" seinen eigenen Weg in ein neues Verständnis von Lebensstandard. Seinen höchstpersönlichen Weg zur vollkommenen Zufriedenheit.
Mit einigen der wiedererlangten Objekte kommen jedoch auch wieder Probleme ins Spiel, die man ohne nicht hätte. Aber wäre das Leben sonst nicht zu langweilig, wenn alles nur funktionieren würde? Andererseits mahnt der Film uns gerade in der Vorweihnachtszeit genau darüber nachzudenken, ob nicht weniger nicht mehr, sondern einfach nur genug ist!

BIG EYES - Können diese Augen lügen?

Wenn ein großer Zeichner und Meister der Filmkunst die Geschichte einer großartigen Künstlerin ins Kino bringt, wenn zudem die Künstlerin ein Idol des eben erwähnten Filmemachers ist, deren Kunstwerke er seit über zwei Jahrzehnten sammelt, dann kann man von Glücksfall reden. Und das ist BIG EYES unbestritten. Es ist nicht Tim Burtons schillerndstes, spektakulärstes Werk, eher ein Film der leisen Töne, obgleich Christoph Waltz und Amy Adams als Walter Keane und Margaret Hawkins sich ein Pas de deux auf der Leinwand liefern, das hervorragend präsent und dramatisch gespielt wurde. Komisch, heiter, traurig und hoffnungsvoll ist die Geschichte um die wahre Urheberin der "Kinderbilder mit den großen, traurigen Augen". Und es ist eine Geschichte, die gerade Frauen anspricht, deren täglicher Kampf um Selbstbestimmung, um das Recht, sich zu verwirklichen, wirkungsvoll thematisiert wird. Ich vermeide es mit Absicht, hier das oft bemühte, große Wort "Emanzipation" ins Spiel zu bringen. Als "alter Hut" abgestempelt, wird es der Story auch nicht gerecht. Es geht um weitaus mehr. Darum, was es für eine alleinerziehende Frau in den späten Fünfzigern bedeutet, ihren Ehemann zu verlassen, weil er sie nicht "atmen ließ"; wie sie sich zunächst in Kalifornien, dann in Hawaii eine neue Existenz aufbaut. Der erste Vorstoß zur Selbständigkeit und Unabhängigkeit wird Margaret zum Verhängnis, als sie dem vermeintlichen Malerkollegen Walter begegnet. Charmant, gewitzt, und zweifelsohne clever - ein Typ, der sich und der Welt ohne Skrupel einen Bären aufbinden kann, der in der Lage ist, seine eigene Mutter zu verkaufen - wickelt Walter die gutmütige Margaret um den kleinen Finger. Sie soll ihre Werke verleugnen, ihre Originale in seine Hände geben. Denn nur so könne man sich als Familie eine sorglose Zukunft aufbauen. In Wahrheit schwebt dem geborenen Vermarktungsprofi ein Imperium vor: sein eigenkreiertes, inszeniertes Kunstimperium. Er genießt das Rampenlicht, den Ruhm, die Aufmerksamkeit, während seine in Eile und unter Druck geehlichte Partnerin im Hintergrund, still und leise, eben jene Bilder malt, die ihn noch berühmter machen sollen. Man muss Walter zugute halten, dass er sein Versprechen, ein Leben in finanzieller Sorglosigkeit zu erzielen, durchaus einhält. Doch was sind die Opfer, die Margaret dafür erbringen muss? Sich selbst zu verleugnen, ihre Tochter anzulügen, Freundschaften aufzugeben. Kann das der Preis dafür sein? Fast wird es für die im Verborgenen arbeitende Künstlerin zu spät, um ein Haar hätte sie alles verloren, was ihr lieb ist. Die Schlüsselszenen, als Margaret ein Selbstporträt malt, das die sich im Zwiespalt befindende, gewissenhafte Frau darstellt, und als sie von ihrer Rolle in der Gesellschaft spricht, in der sie erst als Tochter, dann Ehefrau und schließlich Mutter ihr Leben an sich vorbeiziehen sieht, diese Schlüsselszenen sind bezeichnend für BIG EYES. Sie lassen erkennen, worauf es im Leben ankommt: nämlich die Augen offen zu halten, sich selbst zu beobachten und zu prüfen. Wachse ich oder schrumpfe ich? Bin ich mir selbst noch treu? Lebe ich nach meinen Prinzipien? Worauf kommt es mir an, wenn ich von "Existenz" spreche?
Gegen Ende wird es für den aufgeklärten Zuschauer etwas zu "spirituell". Und konventionell. Man wartet regelrecht vergeblich auf den Burton'schen Geniestreich. Es ist der cineastische Funke, der nicht überspringen will. Und dennoch, auch wenn es für Tim Burton-Kenner und -Liebhaber ein für deren, unseren Geschmack zu sehr nach Hollywood-Konformität schreiender Film ist, kann man strahlend aus dem Kino herausgehen - und das nicht nur, weil uns Waltz mal wieder das Lachen gelehrt hat. Sondern warum? Uns wurden die Augen geöffnet...*

*Auch im Mainstream kann man Erleuchtung erfahren. Expressionismus braucht keine künstliche Erweiterung. Man kann sich nur selbst befreien - aus selbst- und fremdauferlegten Fesseln. Es lohnt sich, die Welt durch die Augen eines Kindes zu sehen. Das ist die Quintessenz, die sich als roter Faden durch sämtliche Tim-Burton-Welten zieht.

Fazit: Der Film ist inspirierend. Zumal die Wahrheit im Radio ans Tageslicht kommt.

BIRDMAN - Oder die unglaubliche Langeweile beim Betrachten eines Selbstgespräche führenden, ausrangierten Schauspielers, der nur in Unterhose für Furore sorgen kann. 

Ja, so könnte der Untertitel lauten. Tut er aber nicht. Es heißt "Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit", und die kann jeden treffen. Da schlittert der von der aktuellen Flaute gebeutelte, vom Ruhm vergangener Tage zehrende Schauspieler Riggan Thomson in ein Projekt, einem Broadway-Stück hinein, um sich und der Welt etwas zu beweisen. Ach? Wie? Noch ein Film, bei dem es darum geht, sich und der Welt etwas zu beweisen? Stimmt, so könnte man es betrachten. Aber Riggan ist nicht Mateus (IN MEINEM KOPF EIN UNIVERSUM). Riggan war einst ein Superheld und seine psychische Bindung an diese fiktive Figur wuchs von mal zu mal, je erfolgloser seine Karriere verlief, bis es ganz Überhand nimmt und ihn und sein Leben komplett in Schach hält. Das Bühnenstück, mit dem er seine Karriere wiederzubeleben sucht, basiert auf Raymond Carvers Kurzgeschichte What We Talk About When We Talk About Love - und ich finde es ziemlich schade, dass man diesem Stück nicht mehr Beachtung schenkt, in Alejandro González Iñárritus Film, der sich als Komödie bezeichnet. Ehrlich gesagt, ich halte mich für eine Ulknudel, die nicht unbedingt in den Keller muss, aber lachen konnte ich nicht. Selten. Nö, eigentlich gar nicht. Ich hatte Mühe meine Augen offen zu halten. Mir schleierhaft, warum der Film so viel Aufmerksamkeit erregt hat: Premiere bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig 2014, Oscar als bester Film 2015 in der Kategorie Komödie oder Musical, bester Hauptdarsteller und bestes Filmdrehbuch, zahlreiche Nominierungen... Michael Keaton spielt - sich ? - in einer öden Nabelschau. Edward Norton, der war nicht schlecht besetzt, seine Rolle bot aber auch kaum Entwicklungsmöglichkeiten, Emma Stone und Naomi Watts - ja die beiden haben noch etwas aus der trostlosen Situation gemacht, zumindest versucht zu retten, was zu retten ging.

Neben weiteren Top-Filmen, wie CAN'T BE SILENT, APPASSIONATA, GUERILLA KÖCHE, MR. MORGAN'S LAST LOVE sowie dem Cannes-Gewinner LA VIE D'ADÈLE, brachte das Freiburger Filmfest-Team mit PRINCE AVANLANCHE, der auf der diesjährigen Berlinale mit dem Silbernen Bären für Beste Regie ausgezeichnet wurde, einen wunderbar komischen, warmherzigen, metaphysischen, poetischen, lakonischen, einen in sich ruhenden, zu sich findenden Männerfilm, den David Gordon Green nach seinem nicht sonderlich rühmlichen Ausflug nach Hollywood wieder auf die Leinwand gezaubert hat. Es geht um einen Naturburschen und seinem misratenen Schwager in spe - Alvin und Lance - die irgendwo in einer verlassenen Einöde, am Bastrop State Park bei Austin, Texas, die Aufgabe haben, eine schier endlose Straße durch abgebrannten Wald mit gelben Mittelstreifen zu versehen. Der grüblerische Alvin - gespielt vom einzigartigen Paul Rudd - schreibt seiner Freundin Madison lange Briefe. Den jungen Lance - dargestellt von Schauspielwunder Emile Hirsch - hat er nur unter seine Fittiche genommen, weil er ihr Bruder ist. Doch der hasst den Job und die einsame Gegend und sehnt das Wochenende herbei. 
Obwohl er als Außenseiter gilt, rechnet er sich gute Chancen bei den Frauen aus und will daher in die Stadt - feiern und Mädels aufreissen. Frustriert kehrt er nach dem erfolglosen Wochenende wieder zurück in den Wald, um Alvin weiterhin bei der Arbeit zur Hand zu gehen. Doch schon bald machen sich der Frust und die unterschiedlichen Lebensauffassungen breit, getoppt wird das Ganze noch vom Beziehungsknatsch zwischen Alvin und Madison. 
Inmitten dieser Querelen bringt David Gordon Green eine geisterhafte, ältere Frau und einen trinkfesten, älteren Truckerfahrer ins Spiel, die der vermeintlich einfachen, kleinen Geschichte eine zweite, metaphysische Ebene verleihen. Als wäre das ganze ein Traum.. 
Angefangen, so Green, hat tatsächlich alles mit einem Traum - der Traum von einem kleinen persönlichen Film mit Freunden und ohne teuren Hollywood-Apparat. Der Independentfilmer träumte den Namen PRINCE AVALANCHE und dachte beim Aufwachen: Was für ein cooler Filmtitel!" Damals hatte im Bastrop State Park vor den Toren Austins ein Waldbrand gewütet. David Green sah die surreale Baumlandschaft und wusste: "Hier will ich drehen!" Er hatte einen Titel, den Schauplatz und die Geschichte fand er in einem isländischen Roadmovie mit dem Titel EITHER WAY. Und was könnte einem echten Männerfilm über echte Freundschaft mehr Authentizität verleihen, als wenn echte Freunde mitmachen? Paul Rudd und Emile Hirsch wurden entgegen ihrer Standardrollen in seinem Remake besetzt: Rudd, der Komiker, durfte seine dramatische Seite zeigen, Emile Hirsch, der Charakterdarsteller aus INTO THE WILD, seine komische. 
"Lance LeGault, ein Cowboy von altem Schrot und Korn", so Green, "machte den Trucker zum Ereignis. Und Joyce, die in der Asche nach Erinnerungen gräbt, verleiht dem Ganzen eine magische und existentielle Note." Der Grundgedanke des Films war es, die zwei Seiten, die in jedem von uns stecken - das Kind und den Erwachsenen in uns - glaubwürdig und in all seinen Facetten auf die Leinwand zu bringen. Der Film spielt mit der Idee des anderen Ichs - dem geflügelten Wort "alter Ego" - des eigenen Ichs in seinen zwei Varianten. So schrieb Green die vorgefertigte Geschichte um und machte sie zu seiner eigenen: "Ich wollte etwas einzigartiges, dem ich meinen Stempel aufdrücke. Diese beiden Figuren sind eigentlich ein Gespräch zwischen zwei Versionen von mir selber. Die Art, wie ich mit mir selber streite oder mir gegenüber als Advokat des Teufels auftrete", erklärt Green.  Aber es ist auch mehr als das: Dem Filmemacher gelingt mit seiner dem eigenen Rhythmus folgenden Komödie über die kleinen Unzulänglichkeiten der Menschen, gespickt mit all den Absurditäten, die das Leben so mit sich bringt, ein Film über und um die wahre, innere Größe.  Ein Film wie sein Festival: Relaxte, anspruchsvolle Unterhaltung erster Güte!